Die Arbeit von Tinto Brass vor Caligula. Wie war das?
- Oft wird der Regisseur für seine späte Schaffensperiode kritisiert, aber wie sah seine Arbeit zu Beginn aus?
- Skandalöse Avantgarde.
Oft wird der Regisseur für seine späte Schaffensperiode kritisiert, aber wie sah seine Arbeit zu Beginn aus?
Giovanni Brass, besser bekannt als Tinto. So nannte ihn sein Großvater.\nIn seiner Jugend war er immer von sexueller Energie in Form eines Kindermädchens umgeben, dem der kleine Junge immer folgte. Schon in seiner Jugend spielte sich sein Leben ganz legal in Italiens Bordellen ab, wo er seine ganze Freizeit verbrachte. Natürlich wirkt sich eine solche Lebenserfahrung unweigerlich auf seine Filmografie aus, aber die Erotik ist nur die letzte Etappe in der Herausbildung seiner Filmsprache, während der Regisseur auf dem Höhepunkt der 60er Jahre begann, als die Welt von der französischen Neuen Welle beherrscht wurde und es in Italien mit Pasolini, Visconti, Antonioni und Fellini Legenden des Kinos gab.
Tinto Brass hat, bevor er für sein Lieblingsgenre berühmt wurde, die Gesellschaftssatire \
Die Hauptfigur Boniface folgt träge dem Leben, weiß aber gleichzeitig genau, was er von diesem Leben will und wer er sein will. Aber leider bringt der Müßiggang kein Geld. Der Film veranschaulicht perfekt die berühmte Redewendung: geboren, gelitten und im Sarg. Die Welt ist nicht für die Dummen, sie ist für diejenigen, die sich anpassen können, aber der Protagonist hat nicht die Kraft und den Wunsch, dies zu tun. Schon hier zeigt Tinto Brass seinen Sinn für Humor. Dies ist ein Autorenfilm, aber wenn man das Genre zuordnet, ist es definitiv eine Komödie, in der Gott selbst Bonifatius sagt, dass es möglich ist, müßig zu sein, und die Tatsache, dass der Allmächtige eine Menge Leute für Müßiggang verflucht hat, so stand es im Alten Testament und zählt nicht….
Das Debüt wurde auf dem Filmfestival von Venedig gezeigt, wo Federico Fellini und Pier Paolo Pasolini den Film mit stehenden Ovationen bedachten und dem Regisseur schmeichelten. Auch der Film selbst wirkt wie ein Vertreter der französischen New Wave im Umfeld des italienischen Neorealismus, kein Wunder, denn Brass verehrte Godard und war Regieassistent von Roberto Rossellini. Er schafft es, das Genre nicht zu verlieren und gleichzeitig die Integrität der Aussage zu wahren. Als hätte Jean-Luc Godard eine Komödie gedreht, gibt es nicht umsonst ein Zitat aus seinem Film, und zwar nicht irgendeinem, sondern einem mit dem vielsagenden Titel Live Your Life.
Brass liebt Boniface für seinen Optimismus und seine Ehrlichkeit gegenüber sich selbst und anderen. Auch wenn er noch weit davon entfernt ist, seine Arbeit zu sexualisieren, ist dieser Film bereits ein mutiger Schritt aus der Masse, die in der Fabrik Schlange steht, in Richtung Selbstakzeptanz. Die Hauptsache ist, dieses Leben zu leben und ehrlich zu sich selbst zu sein, und wenn man wirklich arbeiten und so sein will wie alle anderen, ohne aufzufallen, warum nicht? Schließlich adelt die Arbeit … Irgendwie stand es sogar auf einigen Toren….
Sein zweiter Spielfilm war Flying Saucer. Ein Science-Fiction-Film, bei dem das Genre nur nötig war, um die Laster der Gesellschaft anzuprangern. Der Massenwahn bringt eine fliegende Untertasse hervor, an die die Provinzler eher glauben als an den Diebstahl von Beamten und die Armut, und für die Besitzer und die Reichen ist die fliegende Untertasse auch ein Symbol, das gegen faule Bauern eingesetzt werden kann, die bereit sind, an Lügengeschichten zu glauben, nur um nicht arbeiten zu müssen. Die fliegende Untertasse ist hier ein ungesunder Eskapismus, der von den wirklichen Problemen ablenkt. Die Untertasse ist auch eine Ausrede, um andere für das eigene Unglück verantwortlich zu machen, ohne den Balken im eigenen Auge zu sehen. Und schon werden die Carabinieri losgeschickt, um das Problem mit den Marsmenschen zu lösen, die eigentlich gar nicht von Interesse oder gar eine Gefahr sind.
Der Gedanke, der im folgenden Film zum Ausdruck kommt, ist perfekt für Flying Saucer, klingt aber in einem ganz anderen Genre organischer.
Die Welt war von Spaghetti-Western ergriffen, und der Italiener ließ sich die Chance nicht entgehen, in dieser Richtung zu arbeiten.
Hier zeigt sich die besondere Technik von Tinto Brass, nämlich sein Markenzeichen, die Montage. Wo Sergio Leone eine lange Einstellung zeigt, die den Zuschauer langsam in Trance versetzt, um ihn im unerwartetsten Moment mit dem Klicken eines Auslösers zu wecken, scheut Tinto Brass nicht vor häufigen Montagespleißern zurück, die selbst dem Klicken eines Auslösers ähneln. Er rechtfertigt diesen Stil, der seiner Meinung nach perfekt zum Western, einem rein amerikanischen Genre, passt, und dieser Stil ist nichts anderes als Comic, eine rein amerikanische Lektüre.
Die Erzählung im Comic erfolgt durch spezielle Zwischenspiele und Schnitte, ständige Aufteilung der Pläne und Poly-Screen. Und was wäre, wenn all dies auf den Film übertragen würde, wobei nur der Poly-Screen weggelassen würde, aber Tinto Brass wird sich später mit dieser technischen Einschränkung befassen. Sogar die Winkel oder die Umgebung der Kulissen erinnern an den Comic-Stil. Was soll man zu den epischen und widerborstigen Dialogen sagen, die immer voll von Comics und Western sind.
Und gerade hier zeigt sich, wie treffsicher Tinto Brass bei der Auswahl der Schauspieler ist. Neben Philippe Leroy ist der Antagonist Adolfo Cheli, ein perfekter Schauspieler für Spaghetti-Western. Ein mexikanischer Cäsar, dessen Extravaganz die Hauptattraktion des Films ist.
Der Comic-Stil wurde in dem folgenden Film With a Heart in My Throat oder der offiziellen Lokalisierung von Panting beibehalten. Die Storyboards wurden buchstäblich vom italienischen Comiczeichner Guido Crepax erstellt.
Jean-Louis Trintignant wurde unter Vorspiegelung falscher Tatsachen zu dem Film gelockt. Brass mochte den Roman, den er verfilmen wollte, nicht, aber er mochte die Geschichte. In einem Gespräch mit dem französischen Schauspieler erzählte er ihm seine Version des Drehbuchs, die Trintignant schließlich gefiel und er stimmte zu, in dem Film mitzuspielen!\nDas Drehbuch wurde mit starken Überarbeitungen angepasst. Er musste das Buch noch an das anpassen, womit er den französischen Schauspieler bestochen hatte. Unter anderem verlegte er den Drehort nach London, da er der Meinung war, dass in diesem Land, in dem die Beatles gerade entdeckt worden waren, und in dieser Stadt der Stil der Op-Art perfekt in die Geschichte passen würde. Rom mag einmal der Mittelpunkt der Welt gewesen sein, aber zum Zeitpunkt der Dreharbeiten war London die wichtigste Stadt des Jahrzehnts, wie der Regisseur behauptete. Es war zu viel los, um es zu ignorieren. Antonioni wurde sich dessen bewusst, als er Photo-Enlargement in Großbritannien drehte, das auch in diesem Film parodiert wird.
Die Verfilmung des Spaghetti-Westerns und die aktuelle Herangehensweise an die Schaffung des im Wesentlichen jallo Panting, zeigt, wie Tinto Brass war in der Welt Kontext und klar erkannt, den Geist der Zeit, während er selbst, das heißt, ein Sucher, der seinen Stil durch Versuch und Irrtum gebildet, wie es typisch für eine unbändige Avantgardist.\nÜbrigens, was die Avantgarde betrifft.
Skandalöse Avantgarde.
Während Shriek noch versucht, eine Art von Erzählung zu bewahren, ist Black on White eher eine Collage, in der Kuleshovs Effekt die Handlung des Films vorantreibt und durch Assoziationen zwischen den Montagen von den Gefühlen und Erfahrungen der Heldin erzählt. Und es ist die perfekte Form für eine sehr unkomplizierte Geschichte, die hier nicht wirklich im Mittelpunkt steht. Es ist ein Namedropping und ein modernistisches Manifest ohne klare Aussage. Bewusstseinsstrom, so beliebt in den LSD-artigen 60er Jahren, aber extrem strukturiert. Mao, Martin Luther King, der Vietnamkrieg, sexuelle Freiheit, Frauenrechte, Liebe, Hippies, Politik, Rassendiskriminierung, Rockmusik, hier gespielt von einer britischen Band mit dem treffenden Namen Freedom – alles aus der Sicht einer High-Society-Frau, die in einem überfüllten Bus von einem afro-amerikanischen Mann entdeckt und verführt wird. Umso skandalöser ist nach dieser Begegnung der Titel des Films Black on White.
Alles, was die Heldin bei einer ihrer Handlungen oder Untätigkeiten erlebt, läuft vor den Augen des Zuschauers ab, wie die Gedanken eines Mädchens, das die Blicke eines Mannes auf sich spürt und nicht weiß, was es dagegen tun soll. Neigt Tinto Brass zum Genrekino, zu Science Fiction, Western und Kriminalfilmen, so zeigt er hier, dass er zu Höhenflügen, Experimenten und montierter Rebellion fähig ist, die von aktuellen Themen der Zeit begleitet werden. Wie Godard will er durch das Kino die Politik beeinflussen oder zumindest das Geschehen in der Welt widerspiegeln. Nach diesem Film und der Art und Weise, wie Brass die Jugend von heute gekonnt darstellte, lud Warner Bro. Brass ein, A Clockwork Orange zu drehen, aber der Maestro lehnte ab, weil er den Film Shriek fertigstellen wollte, der zudem an den Kinokassen scheiterte….
Natürlich musste all dieser kreativen Freiheit früher oder später widerstanden werden. Schwarz auf Weiß wurde zensiert und die Fülle an Nacktheit musste reduziert werden. Shriek ist insofern einzigartig, als er auf der Berlinale für den Goldenen Bären nominiert war und auch im Programm der Filmfestspiele von Cannes stand. Allerdings wurde er dort nur 1970 gezeigt, während er in Italien erst 1974 uraufgeführt wurde. Und hier geht es nicht nur um Nacktheit, sondern auch um eine ausschweifende Lebensweise. Das Mädchen verlässt ihren Verlobten direkt vor dem Altar und brennt mit einem anderen Mann durch, ohne die geringste Reue für ihre Tat zu empfinden. Dies ist der erste Plan, den die Zensur im Zorn verurteilt, aber in Wirklichkeit verlässt das Mädchen die bürgerliche Welt, die ihr Verlobter repräsentiert. Und wahrscheinlich haben die Zensoren nicht einmal gemerkt, dass sie Teil dieser Welt sind, die die Heldin und Tinto Brass so ablehnen. Aber die Liebe und das Geheimnis der Ehe sind ihr nicht fremd. Es nimmt nur eine andere Form an, und diese Form ist ein Protest gegen die akzeptierten traditionellen Werte….
Obwohl Tinto Brass am Ende von denselben Kritikern einen Preis für den Film Holiday erhielt und dies in gewisser Weise als Sieg über die Zensoren angesehen werden kann, die einfach im Stich gelassen wurden, denn niemand hätte gedacht, dass es danach einen Film Salon Kitty geben würde, der seine Karriere veränderte….\n_______________________
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